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“CARLOS ORDOÑEZ REGRESA CON RETORTOIRO”

 

 

 

 

 

El vigués Carlos Ordóñez consiguió colocar su música en la vanguardia underground de los 90 y principios del 2000. Se trata de un personaje realmente prolífico en estos años: pionero del techno primitivo de tintes oscuros con Prozack, mostró su cara más minimal y house en Gauss, se unió a HD Substance en Discodé para acercarse a la música disco de los 70, al house y a Daft Punk; montó junto a Silvania el proyecto experimental Radio, grabando el delicioso “Radio” (Elefant, 1999) y se asoció con Alejandra Cabral para poner en marcha Grado 33, un grupo de culto que nos dejó el imprescindible “Ya se Oculta el Sol” (Autoreverse, 2002) antes de disolverse.

En 2021 vuelve a escena tras casi veinte años de silencio utilizando por primera vez su propio nombre, “en todo este tiempo he considerado diversos nombres para proyectos nuevos -llegué a tener infinidad, anotados en un cuaderno-, pero ninguno me convenció. No tuve más opción que adoptar el mío propio: Carlos Ordóñez, pese a que, sobre todo al principio, me chocaba bastante y resultaba extraño. Supone también cierta actitud”.

Carlos lleva desde 2017 preparando un nuevo trabajo que verá la luz en los próximos meses. Con respecto a él, afirma: “Me resulta muy difícil hablar de mi trabajo… Una colección de piezas electrónicas que datan de los últimos años: 2017-2021. Creo que es un proyecto bastante personal. Formalmente, se trata más bien de texturas, de paisajes sonoros, más que piezas estructuradas. Alguna pincelada melódica.

Probablemente dirán que se trata de música oscura.  Yo, al contrario, la encuentro plena de luz. Supongo que permiten entrever ciertos sentimientos y preocupaciones que afectan a mi actual existencia”.

El primer adelanto de este nuevo trabajo es “Retortoiro”, tema que formará parte de un EP digital de próxima aparición. “Retortoiro es un mágico -para mí- punto del interior rural de la provincia de Pontevedra.  Un bucólico rincón de verdes valles y bosques frondosos.  Representa un fragmento de mi vida, ya lejano en el tiempo. Apunta, por tanto, al pasado -a mi pasado-.

Es una composición melódicamente minimalista, texturizada, con un beat en frecuencias muy bajas, y un ritmo grácil, que sugiere alguna danza imaginaria. Está ejecutada principalmente, con sintetizadores y caja de ritmos, analógicos. Alude a ciertas emociones, pero prefiero que el oyente experimente las suyas propias, libremente. 

Por cierto, su primer título era ‘Chove no Retortoiro’”.

Juan Lesta se encarga de realizar el videoclip del corte. Juan ya había puesto imagen a “Dualidad”, tema del imprescindible “Tan Lejos” (Stereophonic Elefant Dance Recordings, 1998) de Prozack. Ambient-house polimórfico que mantiene intacta su pegada. Recientemente Brian Eno ha elegido, entre más de 1.700 proyectos de todo el mundo, un vídeo del realizador para el tema “Dark Sienna” del proyecto “Mixing Colours” (Deutsche Grammophon, 2020).

Si en “Dualidad” recurría a imágenes de la zona zamorana de la tierra de campos y a la rectitud paisajística y a la sequedad castellana, así como al blanco y negro; en esta ocasión nos encontramos con el color intenso, con la frondosidad, humedad y espesura del bosque gallego.

 

 

Para esta nueva etapa, mi intención es desarrollar una parte visual -dentro de mis posibilidades-. Tenía claro que mi vuelta sería con un videoclip, y que el encargado del mismo no sería otro que mi amigo Juan Lesta.

Juan y yo nos conocemos desde hace muchos años, quizá 1991 -ha llovido mucho desde entonces-. En aquel tiempo, compartíamos con otros amigos comunes, pasiones como los Cocteau Twins, y todo el universo 4AD, así como todas las excitantes novedades que aportaban la electrónica y el mundo dance en aquellos primeros años noventa.

Tras alguna colaboración primeriza, llegó el vídeo ‘Dualidad’ de Prozack, firmado por Esferobite (Juan Lesta y Belén Montero, 1998), que Elefant Records nos financió. Un videoclip que ha funcionado relativamente bien durante todo este tiempo, y aún hoy se está exhibiendo en algunos espacios artísticos.

En esos años, me acompañaron en varios shows en vivo de Prozack, generando imágenes y todo tipo de efectos visuales -sirva de ejemplo el concierto de Prozack en el espacio ‘Conciertos de Radio 3’, de 1999, disponible en Youtube-.

El nuevo vídeo fue un encargo personal mío. Tuvimos varias conversaciones, le conté de qué iba esa pieza llamada ‘Retortoiro’, qué representaba para mí. Tuvo absoluta libertad para interpretarla. Aunque el proceso no fue del todo fluido -tanto Juan como yo nos hemos vuelto obsesivamente perfeccionistas-, creo que es evidente que el resultado es magnífico. Juan ha creado unas imágenes de gran belleza y magnetismo.

Hay magia, belleza, misterio. De eso se trataba”.

“MOSCOSO COSMOS. O UNIVERSO VISUAL DE VICTOR MOSCOSO” (FUNDACIÓN LUIS SEOANE, 2021)

 

 

 

En la Fundación Luis Seoane de A Coruña podemos visitar la imprescindible exposición «Moscoso Cosmos. O universo visual de Victor Moscoso». Una exposición que permanecerá hasta el 10 de octubre de 2021 que nos sumerge en el fascinante mundo de Victor Moscoso (Vilaboa, A Coruña, 28 de julio de 1936). Un diseñador único que destacó dentro del cómic underground americano (participando en publicaciones como Yellow Dog, Jiz Comics, Snatch Comics, El Perfecto Comics y Zap Comix)  y como diseñador de carteles rock con una clara vertiente psicodélica. También realiza portadas de discos para artistas como Jerry García, Steve Miller Band, Junior Wells o Colours.

Muchos de sus diseños consiguen llevarnos a otros estados de conciencia. Formas, signos y colores alcanzan una nueva dimensión, al igual que las palabras, difíciles de descodificar en muchas ocasiones.

Su vida fue realmente intensa. Vive en Oleiros, hasta que en 1940, con apenas tres años, viaja con su familia a Estados Unidos, estableciéndose en Nueva York, formándose en Bellas Artes en la Cooper Union y en la Universidad de Yale, donde tiene como profesor a Joseph Albers. En 1959 se muda a San Francisco, graduándose en el Instituto de Arte de San Francisco (SFAI). Es a mediados de los años 60, y especialmente en el «verano del amor» de 1967, cuando su arte alcanza su máximo esplendor y su figura alcanza un importante reconocimiento.

Partiendo del underground, y manteniendo a lo largo de toda su vida esa militancia y su compromiso con la contracultura, Moscoso ha logrado tener obra expuesta en el Louvre, el Victoria & Albert Museum o en el MoMA, entre otras instituciones de prestigio mundial. Un autor de culto que ahora tenemos la suerte de convertir en profeta en su tierra de nacimiento.

 

Víctor Moscoso, hijo y superviviente de la contracultura con apellido gallego

 

En Coruña se rinde homenaje al artista en esta exposición comisariada por David Carballal. La muestra reúne los carteles de rock  realizados durante los años 1966 y 1967 y 14 números de la revista Zap Comix, editada a lo largo de 40 años con artistas como Robert Crumb o Rick Griffin. Nos encontramos con una importante selección de carteles, cubiertas de discos, cómics, ilustraciones para libros y revistas, animaciones y fotografías biográficas.

 

Complementando la exposición se edita un espectacular catálogo que recoge a todo color y en gran formato la producción gráfica de Moscoso. Un artista realmente brillante del que podemos conocer la verdadera dimensión de su trabajo en un catálogo que desde ya se convierte en un imprescindible para cualquier amante tanto de la música como del diseño.

 

Tras su paso por la Fundación Luis Seoane, «Moscoso Cosmos: O Universo de Victor Moscoso» itinerará al MUSAC de León y al Centro Niemeyer de Avilés.

 

“CONVERSACIONES CON XOEL LÓPEZ” (EFE EME, 2020).

MANOLO TARANCÓN

 

Manolo Tarancón · "Conversaciones con Xoel López"

 

Xoel López lleva toda su vida componiendo y editando discos y hoy es uno de los músicos más reconocidos de la escena nacional. En este volumen de conversaciones, Xoel responde a las preguntas de Manolo Tarancón para repasar su vida, su trayectoria musical y sus inquietudes vitales.

Xoel comienza desde muy joven en el mundo de la música, en distintos grupos amateurs de A Coruña, como The Riddles o Los Nuestros. No sería hasta con Los Covers que grabaría un primer EP, en los laureados estudios de Paco Loco en Gijón, tras el cual incluso realizarían una gira por todo el territorio español. El grupo se disuelve, y Xoel, rondando los dieciocho años, se embarca en una nueva formación: Elephant Band. Es en este grupo donde comienza su faceta como compositor. La banda toca en numerosos festivales e incluso llega a actuar en el extranjero. Es entonces que Xoel comienza a compaginar su tiempo con un proyecto junto a Félix AriasAñade este contenido, formando el dúo Lovely Luna, en donde explora otros ritmos algo más alejados del sonido de la Elephant Band.

Los siguientes pasos de su carrera ya son conocidos por todos, alcanza el éxito superventas con Deluxe y en la resaca de ese éxito comienza su andadura en solitario. El detonante de ello es un viaje al otro lado del Atlántico que le cambia la vida por completo. En enero de 2009 Xoel cruza el charco y se dedica a tocar por pequeñas salas, teatros y festivales, acompañado de su guitarra y de músicos de los diferentes países que visita. Se trata de un proyecto libre y honesto, sin grandes planificaciones. De esta forma Xoel se acerca a San Francisco y Nueva York, Colombia, Uruguay, Chile, Venezuela, Brasil, etc. estableciendo el centro de operaciones en Buenos Aires. En Brasil ofrece su concierto más multitudinario, tocando ante más de un millón de personas la noche de Fin de Año en la playa de Fortaleza, dentro de un homenaje a Legião Urbana.

En octubre del año siguiente vuelve a España y ofrece una intensa gira acompañado de músicos de diferentes nacionalidades, la aventura es bautizada como «Xoel López y La Caravana Americana». Luego llegaría «Atlántico» (Esmerarte, 2012), el disco que lo cambia todo.

Todos estos episodios quedan reflejados en un libro en el que Xoel habla del presente, pasado y futuro; además de aportar muchas anécdotas, curiosidades e inquietudes. Un acercamiento certero tanto al artista como a la persona que hay detrás.

 

“MAGÍN BLANCO. O CAMIÑO DA LUZ” (EDICIÓNS EMBORA, 2019).

CARLOS REGO

 

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«Me daría por satisfecho con poder seguir grabando otro y otro y otro disco, y así hasta que se me seque la boca»

 

Magín Blanco (A Rúa, 1960) es uno de los más grandes talentos de la música gallega. Todos los proyectos en los que se ha involucrado gozan de un nivel de brillantez realmente alto.  Es capaz de dotar a todas sus composiciones de una carga poética y emocional realmente fuerte.

Hoy alcanza un importante reconocimiento con sus trabajos dirigidos para el público infantil y juvenil, aunque los disfrutamos todos, pero su faceta rock y de autor es en gran medida desconocida por el público. Carlos Rego se marca como uno de los principales objetivos de este libro rescatar y visibilizar ese Magín. Y es que tenemos que remontarnos hasta el año 79, año en el que pone en marcha su primer proyecto en Santiago de Compostela. Se trata de Purita, grupo con Nancho Novo, con el que recorrían los bares de Compostela influenciados por el disco «Fiebre de Vivir» (Chapa, 1978) de Moris.

Después llegó Alcatre, ya en A Rúa (Ourense), mezclando la caja de ritmos del órgano con la batería real; aunque VoyeurAñade este contenido, un trío con  Juan Bellet (baixo) y Joel Bayolo (batería), es su primera aventura realmente relevante. Una lástima que no llegasen a editar nada, más allá de alguna maqueta interesante, pues su acercamiento a la new wave era muy interesante. Uno de los grandes aciertos del libro es incluir un CD con material de las distintas etapas de Magín, lo que nos permite escuchar el tema «París-Texas» procedente de una maqueta grabada por Pablo Barreiro en su local de ensayo en A Rúa.

Magín decide acercarse al pop y al intimismo con un nuevo proyecto: La Rosa. Uno de las grandes joyas ocultas del panorama gallego y nacional. Al igual que otras formaciones como Cosecha Roja o Burgas Beat, una formación a reivindicar.

La Rosa se acercan al nuevo rock americano, dándole un importante protagonismo al intimismo y a las letras de Magín. Pasajes presididos por cielos oscuros, brisas otoñales, la humedad del invierno y una soledad cargada de nostalgia. El grupo no alcanza el reconocimiento que merece, y baja el telón en el 94 tras cuatro larga duración.

 

 

Tras entregar un buen puñado de grandes temas con La Rosa, Magín Blanco desapareció de la escena unos cuantos años, pero continuó escribiendo canciones. Iniciando una carrera en solitario con la maqueta  “Estar Maqueta” (1999) y posteriormente con el recomendable «Ella…» (PAI, 2006).

Con la última etapa, la dedicada al público infantil y juvenil, Magín alcanza el reconocimiento y el cariño del público. Como indica Xavier Valiño en el prólogo, esperemos que su boca nunca se seque.

Un libro ameno que repasa de manera minuciosa todas estas etapas creativas de Magín Blanco y que consigue dar luz a una figura a reivindicar por todos. Los contactos con Vainica Doble, el accidente en la carpintería que le hace perder varios dedos de la mano izquierda, las crisis existenciales… todo queda recogido aquí con precisión.

“FERREÑAS & ROCK AND ROLL. ANECDOTARIO SOBRE MÚSICAS GALEGAS. CRÓNICA ILUSTRADA DAS NOSAS MÚSICAS MÁIS SENLLEIRAS” (BAÍA EDICIÓNS, 2019).

LAURA ROMERO / IRIA PEDREIRA

 

 

 

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Una muy buena noticia la edición de este libro. Al igual que el «Mujeres Punks: Las Pioneras de Nuestra Escena» (Uterzine, 2019) de Maritxu Alonso y Helen Sotillo, o «Neskatxa Maite. 25 Mujeres que la Música Vasca no Debería Olvidar» (Aianai, 2015) de Elena López Aguirre. Libros que ayudan a visibilizar a mujeres pioneras dentro de nuestra escena musical, muchas de ellas olvidadas tanto por el público como por la historia.

Laura Romero (bajo en Zënzar / Licenciada en Bellas Artes) lleva ya unos cuantos años haciendo una maravillosa labor con Música Galegas Ilustradas, dibujando a mujeres de la escena de la música gallega con el objetivo de visibilizar y promocionar su trabajo. Asociada con Iria Pedreira pone en marcha este libro que por un lado recoge muchas de estas ilustraciones, acompañadas por textos que nos permiten conocer vida y obra de estas mujeres.

 

Música ilustrada con nome de muller

 

El libro lo podemos considerar un paso adelante dentro de ese proyecto nacido en 2017, llamado Músicas Galegas Ilustradas. Un proyecto que sigue creciendo y expandiéndose cada día que pasa. Algo que pone de manifiesto que la presencia de mujeres en la escena musical gallega es cada vez más amplia y los géneros en los que se engloban cada vez más diversos.

En el libro nos encontramos con auténticas pioneras de la música tradicional. Mujeres como María Doval (pontevedresa del siglo XIX que viajó por toda Europa acompañada de su zanfona), Áurea Rodríguez (ourensana considerada la reina de la gaita gallega) o Maruxa das Cortellas (la última gran tocadora del pandeiro cuadrado). Pero también nos encontramos con auténticas divas como Finita Gay ‘A Martela’, que en los años 40 reinaba en la canción melódica en A Coruña, o mujeres incombustibles que merecen letras mayúsculas en la historia de la música gallega como Ana Kiro.

También nos encontramos con grupos totalmente compuestos por mujeres en aquel Vigo ye-yé de los 60 como The Sink’s y Las Musas; grandes artistas como María Manuela, pioneras del punk en Galicia como Voces de UltratumbaAñade este contenido o riot grrrls auténticas como Pili Dios (Desvirgheitors) o Ángeles Lago (Crazy CabuxaAñade este contenido).

Un libro indispensable y altamente recomendable que sirve para divulgar y visibilizar a las mujeres de la escena musical gallega.

“GUADI GALEGO. POLA BEIRA DA CANCIÓN” (EDICIÓNS EMBORA, 2019).

PEPE CUNHA

 

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La editorial ferrolana Embora decide apostar por la música gallega e inicia una nueva colección de libros centrados en artistas gallegos. El primer volumen es este dedicado a Guadi Galego, pero ya anunciaron que el segundo título de la colección estará dedicado a la figura de Magín Blanco (La Rosa) y su autor será Carlos Rego (Cosecha Roja, Burgas Beat).

Guadi Galego (Cedeira, 1974) es una de las artistas gallegas más importantes de su generación. Comienza desde muy joven en el mundo de la música: «Yo nací con la música y sabía que me dedicaría a la música toda la vida, pero no contaba con vivir de ella… Hago música por necesidad espiritual. Viví la música desde que nací, mi padre era músico aficionado y me transmitió todo eso, es una necesidad» -Guadi en «“Berrogüetto: O Pulso da Terra” (Galaxia, 2011) de Fernando Neira-.

Su llegada a Santiago de Compostela en 1994 para estudiar Magisterio por Educación Musical le abre un mundo de posibilidades y Guadi entra en el 97 a formar parte de una de las formaciones folk más importantes de Galicia: Berrogüetto. Con ellos grabaría tres discos, encargándose fundamentalmente de voz y gaita, hasta su salida en el 2008.

Guadi comienza a establecer vínculos con el Conservatorio de Música Tradicional e Folque de Lalín y con Ugia Pedreira. De esa asociacicón sale Nordestin@sAñade este contenido y el disco «Nordestin@s» (Falcatruada, 2006)Añade este contenido. Proyecto de música gallega que proponía una mirada contemporánea a la tradición marinera, en el que encontramos a Guadi, Ugia y Abe Rábade. Con Abe RábadeAñade este contenido también participa en «Rosalía 21» (Falcatruada, 2008)Añade este contenido, un acercamiento en clave jazz a la poesía de Rosalía de Castro.

El libro de Pepe repasa de manera minuciosa todo este periplo tanto musical como vital, con declaraciones de los protagonistas. En la parte central del libro nos encontramos con una extensa entrevista a Guadi, y el análisis de sus discos en solitario. Desde ese inicial «Benzón» (Músicas de Salitre, 2009)Añade este contenido al acercamiento al pop que trae consigo «Lúas de Outubro e Agosto» (Fol, 2014)Añade este contenido, pasando por sus últimas entregas.

Un bonito acercamiento a la figura, vida y obra de una artista que continúa creciendo con cada nueva entrega. Como indica en el prólogo Teresa Cuíñas, «este libro constituye uno de los retratos posibles de una artista inquieta en la búsqueda de sensaciones, enérgica en la exploración de sus capacidades, generosa en la alegría, comprensiva con el dolor, amante de la belleza«.

“UNHA HISTORIA DA MÚSICA EN GALICIA 1952-2018” (GALAXIA, 2019). FERNANDO FERNÁNDEZ REGO

 

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Fernando Fernández Rego, uno de los administradores de esta web, acaba de entregar un libro imprescindible para conocer la escena musical gallega de los últimos setenta años. Casi novecientas páginas a todo color armadas en base a más de 250 entrevistas.  «Unha Historia da Música en Galicia 1952-2018» (Galaxia, 2019) pretende hacer un intenso recorrido por la música gallega desde los años 50 hasta la actualidad. Tomando como punto de partida esas orquestas y conjuntos que poco a poco comienzan a girar cara el pop (Los Tamara, Los Españoles, Los Zafiros, Los Celtas…), el texto avanza analizando en profundidad los principales focos y escenas.

La idea del libro es centrarse fundamentalmente en el pop, rock, punk y derivados, además de atender a la canción de autor, desarrollos como los de Voces Ceibes o lo del Movimiento Popular de la Canción Gallega (Benedicto, Bibiano…), y también el jazz rock y el folk cuando este se asocia con el rock de alguna manera o con desarrollos electrónicos ya en la actualidad. El underground es estudiado y explorado de manera minuciosa y pasional, tanto lo de los años 80 cómo lo de los 90 y lo de la actualidad. Porque la contracultura y los movimientos subterráneos fueron en Galicia focos principales y vitales de su historia musical, el germen de grandes bandas y artistas.

Un libro que se convierte desde ya mismo en un referente para conocer la música hecha en Galicia desde los años 50 hasta la actualidad.

 

Fernando entrevistado en el Zig Zag de la TVG. 21 de junio de 2019.

 

Fernando Fernández Rego

Fernando Fernández Rego (Ferrol), es licenciado en Química por la USC y trabaja como profesor de educación secundaria para la Xunta de Galicia. Además es administrador de la web musical LaFonoteca.net, escribe para la Mondosonoro y la Rockdelux, y colabora con múltiples plataformas tanto digitales cómo impresas.

Publicó una novela, «Desorden» (Ediciones Oblicuas, 2009) -un tratado de existencialismo post punk-, abarcó el relato y la poesía en «Blues From A Gun: Secuencias Interiores» (Volta, 2011), entregó ensayos como el libro+CD «50 Años de Pop, Rock y Malditismo en la Música Gallega» (Toxosoutos, 2010) o «Galicia en Clips» (Volta, 2012), este último junto a Pablo Portero; y también biografías como la de la banda de Lugo Los Contentos«Cuando Ríes. Los Contentos (Unos Malditos Pioneros de él Garage)» (Xonix, 2014)– junto a Piti Sanz (prólogo de Luis Tosar) y la de Andrés Do Barro«Andrés Do Barro. Saudade» (Lafonoteca, 2015)-. Junto a Sergio Peck (Carrero Bianco) es el responsable del serlo discográfico Ferror Records. En 2019 llega este «Unha Historia da Música en Galicia 1952-2018» (Galaxia, 2019).

 

 

La imagen puede contener: personas sentadas e interior

Foto de Álvaro Dorda

NADA (L). 13 Panxoliñas Orixinais de 13 Bandas Galegas Actuais (XONIX RECORDS)

 

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En la música gallega hubo muchos acercamientos a los villancicos («panxoliñas» en gallego) y a las canciones de Navidad. Artistas como Los Tamara, Andrés do Barro o Xoán RubiaAñade este contenido se acercan a los villancicos y las canciones de Navidad, unos desde una perspectiva clásica, y otros como Andrés do Barro desde una perspectiva pop.

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Más recientemente, concretamente en 2005, el colectivo ferrolano La Fonográfica General lanzaba un recopilatorio de canciones de Navidad desde una perspectiva actual, con formaciones como o Quant o Todo el Largo Verano . Estos últimos incluso llegan a lanzan un EP completo de canciones navideñas: «Es Navidad en Marmolinos» (La Fonográfica General, 2009).

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En 2017 el sello Xonix Records lanza «Nada (L). 13 Panxoliñas Orixinais de 13 Bandas Galegas Actuais» (Xonix, 2017). «Este es un proyecto en el que levamos trabajando desde junio de 2017, y donde conseguimos juntar a 13 de las bandas galegas más rompedoras del momento en su género para darle una vuelta más y actualizar el cancionero de Navidad; 13 villancicos totalmente originales, modernos, innovadores, que seguro mostrarán otra manera de entender la música de Navidad, acorde con los tiempos que corren» explican.

Espiño – «A Noite de Alban Arthuan» – El nuevo proyecto de Alfonso Espiño (Mega Purple Sex Toy Kit, Contrastes, Los Chavales) conjuga clasicismo y pop atemporal con una melodía efectiva…  «Este villancico junta en su letra los usos y costumbres precristianas de nuestra tierra, como la quema del cepo de navidad, el encendido de velas para la diosa madre y el engalanamiento del pino. En la parte musical, Alfonso tocó las guitarras y bajo acústicos, cascabeles, crótalos, claves, güiro, maracas y voces. Brais tocó las guitarras eléctricas y cantó los coros, Álex tocó el mellotrón y Iago Jorge Hermida la batería. El resultado final es un «muro de sonido» al estilo de Phil Spector, pero a la gallega«.

Esposa con Pantis – «Belo Horizonte» – Asociación de lujo entre unos de los grandes renovadores del pop gallego y la innovación permanente de Pantis, el nuevo proyecto electrónico de Rubén Domínguez (Telephones Rouges). Ritmos brasileiros y electrónica paisajista.

Ruxe Ruxe – «Canción de Nadal« – Los de Aríns (Santiago de Compostela) llevan ya más de veinte años combinando el rock y el folk con una actitud punk. Un himno cargado de épica sobre la búsqueda de un bar abierto con las navidades como telón de fondo.

 

Piti Sanz (Los Contentos) – Piti Sanz aporta tres cortes que se intercalan entre las distintas canciones: «Nadal en 15 segundos«, «Nadal en 30 segundos» y «Nadal nun minuto«. Aires lo-fi, rock plagado sombras y espectros…

RaibaAñade este contenido – «Chegou o apalpador» – La banda de metal Raiba recurren a la figura del apalpador, personaje navideño gallego de origen fastástico. Se habla de un gigante, de profesión carbonero, que por las fiestas de Navidad bajaba de la montaña para visitar a los más pequeños y comprobar si estaban bien alimentados, para ello les palpaba la barriga y les dejaba de regalo unas castañas calientes.

Zënzar – «Chingón hell» – La banda de rock de Cerceda (A Coruña) lleva facturando rock en gallego desde finales de los 80, primero como Mördor y luego como Zënzar. Aquí presentan un villancico anticapitalista y de alma libertaria y reivindicativa.

MaskarponeAñade este contenido – «Lacón con grelos» – A banda de ska-rock de Ourense presenta una canción navideña con ritmo ska y letra culinaria centrada en las bondades de la tierra… del lacón con grelos a las filloas.

The Lákazans – «Life is like a X-mas Day» – Letra en inglés, clasicismo cargado de emoción y ritmos suaves cargados de buenos deseos.

AcidproyectAñade este contenido – «Nada(l)La banda ourensana Acidproyect se caracteriza por su fusión de estilos, que van desde el metal, hardcore o hard rock, al nu metal y al grunge. En «Nada(l)» se mueven entre el nu metal y el metal con cadencia hardcore.

Tu Mujer Nos EngañaAñade este contenido – «No Portal de Belén» – Costumbrismo urbano y rock clásico son los ingredientes de «No Portal de Belén«, un portal que está más cerca de casa de lo que parece.

Liviao de MarraoAñade este contenido – «O exército de Pantxo Linha» – Liviao de Marrao es una formación de Chantada (Lugo) que hace una mezcla de Ska-Punk-Folk-Bravú. Aquí muestran su lado reivindicativo y una melodía cargada de intensidad.

Son do GalpomAñade este contenido «Solsticio de inverno» – Costumbrismo en clave rap orgánico… abrazos en los bares, copas de vino llenas y viejos recuerdos.

Óscar AvedañoAñade este contenido y Los Wavy Gravies – «Xa chegou o nadal« – Óscar Avendaño (Siniestro Total) con Los Wavy Gravies, ejecutando un rock and roll con cadencia rockabilly y acento gallego.

«Música Para la Libertad. Nuevas Tecnologías, Experimentación y procesos de fusión en el rock progresivo de la España de la Transición: la Zona Norte» (Norte Sur, 2017)

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La imprescindible tesis de Eduardo García Salueña (Gijón, 1982) sobre el rock progresivo en la España de la Transición, zona norte, ve la luz en forma de libro de la mano de Norte Sur Records. Se trata realmente de una revisión de la tesis doctoral defendida por Eduardo en la Universidad de Oviedo, en septiembre de 2014, y que fue calificada por unanimidad con sobresaliente cum laude. Dicha tesis se considera pionera en España al estudiar el rock progresivo bajo un prisma musicológico. La edición incluye un prólogo firmado por Celsa Alonso (Universidad de Oviedo) y un epílogo a cargo de José Miguel López (Discópolis – Radio 3). Además contiene un CD co-producido junto a René de Coupaud, con grabaciones, en algunos casos inéditas, de varios de los artistas más representativos del noroeste de España entre 1975 y 1982: Outeiro, N.H.U., Goma 2, Bibiano, Crack, La TurullaAñade este contenido, Asturcón, TrafalgarAñade este contenido, Ibio, Bloque, TrallaAñade este contenido y Juan Carlos Calderón.

El libro está planteado como una lectura analítica del rock progresivo español utilizando como materia de estudio la producción generada en Galicia, Asturias y Cantabria durante la época de la Transición. Un trabajo muy minucioso, perfectamente documentado y que va directamente a las fuentes, encontrándonos con jugosas entrevistas y un importante rescate de documentación. Hay también transcripciones musicales que sirven para analizar los desarrollos y las composiciones, poniendo en relieve similitudes, contrastes y peculiaridades a la hora de componer en la región norte. En ese sentido, Eduardo lleva a cabo una catalogación y estudio exhaustivo del estilo practicado por los grupos del noroeste peninsular, poniéndolos en relación tanto con el resto de la escena española como con el panorama internacional de la década de los 70 y con la evolución de las escenas regionales. El libro se completa con un importante material gráfico a color.

Un trabajo totalmente necesario que sirve para reivindicar la producción de Galicia, Asturias y Cantabria en unos años en los que los focos estaban en otros lugares del país: en el rock progresivo catalán, el rock andaluz, el rrollo madrileño…

A continuación hablamos con el propio Eduardo que nos explica el objetivo y desarrollo del libro.

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1 – Hablas de Música para la libertad… ¿Cómo describirías aquellos años 70 de la Transición musicalmente?

El panorama fue muy amplio y, afortunadamente, cada vez vamos teniendo más documentación e información sobre aquellos años. Centrándonos en el rock, tras una búsqueda de la modernidad a través de los referentes internacionales que iban llegando -tarde, en gran medida- durante los últimos 60 y primerísimos 70, se fue forjando paralelamente un sentimiento de identidad musical nacional que buscaba distanciarse del canon oficial del sonido español que favorecía el régimen franquista. A mediados de los 70, y especialmente tras la muerte de Franco, se fue subrayando un elemento de raíz que trataba de impulsar una renovada imagen del patrimonio cultural y tradicional de cada región, muchas veces ligada a un planteamiento de reivindicación socio-política (lógicamente, un factor muy presente en los discursos artísticos y culturales de aquellos años). Creo que ese fue uno de los rasgos más interesantes y particulares del rock de la Transición, y que se puede apreciar en varios grupos de rock de aquel momento, donde también confluían elementos de rock progresivo, punk, nueva ola o heavy metal.

2 – Creo que tu libro hace justicia a un “silencio histórico” que sufrió el norte a nivel musical con respecto a su música. Los focos estaban en el rock progresivo catalán, el rock andaluz, el rrollo madrileño… pero los desarrollos progresivos, sinfónicos y creativos de la zona norte pasaron en cierto modo desapercibidos en muchos casos o no se les valoró en su justa medida… No sé qué opinas de esto.

Estoy de acuerdo. Normalmente al esbozar el mapa del rock progresivo nacional durante los años 70 es muy frecuente subrayar la zona catalano-levantina, la andaluza y la madrileña, por sus peculiaridades estilísticas, por la configuración de un sólido circuito de difusión y por dar lugar a bandas paradigmáticas que incluso se convirtieron en auténticos referentes para otros grupos nacionales (Máquina!, Smash, Módulos, Iceberg, Triana o Asfalto, por citar algunos). En el caso del norte, lo habitual era mencionar superficialmente el caso de Euskadi, donde ciertamente hubo varias formaciones muy interesantes y pioneras antes de que cristalizara el rock radical vasco, y en algún caso se señalaban aisladamente grupos como Crack (Asturias), NHU (Galicia) o Ibio (Cantabria). Hay mucha gente que desconoce que Bloque, por ejemplo, fue un grupo cántabro, aunque esté considerado como uno de los grupos más destacados de aquellos años, por lo que no se solía incluir en la zona norte. En este estudio he tratado de revalorizar la labor de aquellos grupos, muchos de los cuales no tuvieron los medios suficientes como para poder registrar una grabación de estudio y que apostaron, en el tránsito a la década de los 80, por una senda creativa alejada de las músicas que triunfaban en aquel momento a nivel internacional.

3 – ¿Cuál es el planteamiento del libro y qué es lo que se va a encontrar el lector que quiera acercarse a este tratado sobre el rock progresivo en Galicia, Asturias y Cantabria?

Hay que decir que el libro parte de una tesis doctoral, aunque he tratado de establecer algunos puentes en esta edición con el lector no académico, incluyendo los atractivos del contenido gráfico (fotografías, pósters, recortes de prensa y diseños artísticos, algunos de ellos en color) y de un disco que recupera algunas grabaciones descatalogadas, además de tres piezas inéditas, rescatadas de los archivos personales de algunos músicos. El libro se estructura en tres partes: una más conceptual en la que se establece el marco teórico para estudiar el rock progresivo, con acento en el significado y la evolución del término “progresivo”, así como un primer acercamiento al panorama nacional atendiendo a cuestiones como la autenticidad o los conflictos de identidad; una segunda, y más extensa, en la que se aborda el análisis de las escenas de Galicia, Asturias y Cantabria, incluyendo más de 200 transcripciones musicales que yo mismo realicé y cuadros analíticos/guías de audición de algunas de las composiciones más significativas del rock progresivo de las regiones citadas. También hago referencia a cómo era el panorama antes de los 70 y concluyo con una síntesis de cómo se recogió ese legado hasta la actualidad; por último, en la última parte planteo una reflexión acerca de cómo se entiende en la actualidad el rock progresivo en España desde varias perspectivas: nuevos mercados y consumidores, nuevas vías de difusión a través de Internet y, por supuesto, el revival y el “efecto nostalgia”. Esto se complementa con una bibliografía dividida por secciones, un exhaustivo índice onomástico, y un prólogo y un epílogo firmados, respectivamente, por la Dra. Celsa Alonso (Universidad de Oviedo) y José Miguel López (Discópolis – Rne3), a quienes estoy muy agradecido.

4 – ¿A qué conclusiones llegaste después de este profundo análisis?

A muchas y muy variadas. Entre otras, pude tener una perspectiva más global del desarrollo del rock progresivo en el noroeste al establecer un marco comparativo entre las tres comunidades, donde hay claramente varios puntos en común, especialmente en cuanto a los diálogos que se establecieron entre tradición y modernidad, con evidentes influencias comunes en las músicas del arco atlántico y una mayor distancia con los sonidos “mediterráneos”. También me pareció muy interesante ver cómo muchos de estos grupos supusieron un paso en firme para la consolidación de una infraestructura rock en sus respectivas regiones, cuando aún no había prácticamente estudios de grabación, sellos especializados o festivales de rock en el noroeste. Algunos de estos grupos fueron pioneros en incorporar elementos tradicionales (instrumentación, repertorio) en el rock, cantar en lenguas como el galego o el asturianu, o representar en su iconografía y sus letras algunos elementos simbólicos de su propia cultura. Pero su música tiene muchas lecturas posibles, y todas coexisten. Me llamaba la atención leer críticas en internet de grupos como Ibio, donde se enfatizaban las influencias de grupos como Genesis, Pink Floyd o Emerson, Lake & Palmer, mientras que en el público de Cantabria lo primero que sale a la superficie son las piezas tradicionales que sirven de base para sus composiciones. Ya por último, también insistí mucho en tratar lo “progresivo” de una manera abierta, sin focalizarlo exclusivamente en los grupos que seguían el canon anglosajón. Me pareció interesante incluir en el análisis, por ejemplo, a aquellos cantautores, músicos de folk o propuestas de experimentación electrónica que fueron coetáneas al rock progresivo y en las que estuvieran involucrados músicos y arreglistas vinculados a ese lenguaje. Gracias a eso pude tener una visión más amplia del panorama, y creo que si eso se tuviera en cuenta en el resto de España hoy día tendríamos un mapa mucho más completo y enriquecedor.