Categoría: MÚSICA PARA LEER

“LA MÚSICA NO ES LO MÁS IMPORTANTE. CONTRADICCIONES DE UN MELÓMANO CON SU PASIÓN” (LIBROS.COM, 2021)

JAVIER BECERRA

 

 

Javier Becerra presenta su nuevo libro “La música no es lo más importante” – Publicación digital

 

«Lo que él hace es muchísimo más difícil y enriquecedor que escribir una crítica de un grupo de culto en una revista especializada. […] La música tal vez pueda volver a ser lo más importante si establecemos una relación más natural con ella»

David Saavedra («Prólogo»)

«Marzo de 2020. Coronavirus, confinamiento y miedo al futuro. Una canción, ‘Resistiré’, del Dúo Dinámico, se erige como un himno al que se abraza todo el país. Pronto surge un rechazo muy particular. Los que saben de música se empeñan en ridiculizar el gusto popular para exhibir el suyo, el correcto. Y todo ello en medio de una pandemia que tiene al mundo en vilo. Ese es el punto de partida de «La Música No Es Lo Más Importante», una mirada crítica a la relación sentimental que los melómanos establecen con ella, que muchas veces deriva en lo patológico, ridículo e infantil. Una reflexión con tintes autobiográficos sobre cómo el conocimiento paradójicamente se puede convertir en el obstáculo para el disfrute«. Este es el punto de partida del nuevo libro de Javier Becerra, autor de libros como «Los Eskizos. Electricidad a Contracorriente» (Ediciones Díscolas, 2015) o «¡Esto Es Pop!» (Mont Ventoux, 2019).

Nos encontramos con una reflexión sobre la música, sobre nuestros gustos, placeres culpables, limitaciones y perjuicios. Es complejo tratar un tema tan personal como nuestra relación con la música, porque muchas veces es algo cambiante, que depende del ambiente y de nuestras relaciones con esas canciones que forman parte de la banda sonora de nuestra vida. Siempre ha habido fundamentalismo musical y lo seguirá habiendo, pero no sólo hay fundamentalismo en la música, lo hay en la vida en general, y en el arte en particular. Es cierto también que madurar, a veces, trae consigo liberarse de cargas y de ciertas cadenas… y fundamentalmente de perjuicios. Aprender, en cierto modo, a disfrutar de las cosas que nos hacen sentir bien sin analizar o intelectualizar ciertos aspectos.

De la misma forma, no creo que tenga que haber unanimidades. Es decir, que haya gente que no pueda ver delante a Mecano, Barón RojoAñade este contenido o Xoel López, no significa un acto de militancia o que sean unos talibanes musicales. Tampoco que no disfruten esos grupos por perjuicios. A veces, simplemente no lo soportan. Creo que el mapa sonoro de nuestras vidas depende de muchas cosas: parejas, familia, perdida de personas cercanas, experiencias vitales, noches de fiesta, nostalgia… esa banda sonora son como cicatrices en la piel de cada persona. Y lo que una persona siente con Mecano a lo mejor otra lo siente con Hombres G, por poner un ejemplo. A veces, en los gustos entran en juego tantas variables que hace que cada persona tenga motivaciones distintas.

 

Hazte mecenas de La música no es lo más importante, de Javier Becerra - Libros.com @retroaliment - Editorial Libros.com

 

El libro es una invitación a la reflexión sobre nuestra actitud ante la música, desarrollando una especie de diario vital sobre esas canciones, grupos y discos que han marcado la vida del autor. Anécdotas y experiencias personales que sirven de análisis una relación con la música que va cambiando con los años y con la experiencia.

“BERTO TURULLA. UNA MIRADA MODERNA A LA MÚSICA POPULAR DE ASTURIAS” (FMCE / UP, 2021)

 

 

Berto Turulla, realmente Alberto Martínez Berciano (1957-1983), fallecía electrocutado en un escenario de Salas el 4 de abril de 1983. Pese a su juventud, el músico asturiano tuvo una gran relevancia y dejó un legado musical realmente interesante. Nadie mejor que Eduardo G. Salueña -doctor en Musicología y autor del libro «Música Para la Libertad. Nuevas Tecnologías, Experimentación y procesos de fusión en el rock progresivo de la España de la Transición: la Zona Norte» (Norte Sur, 2017)– para repasar la figura de Berto: «representó un perfil atípico en el panorama musical asturiano de la segunda mitad de los años 70 y los primeros 80, alternando un rol de compositor e instrumentista —teclados fundamentalmente, aunque ocasionalmente guitarra— con otro de arreglista y director musical de algunos exponentes de la entonces emergente «Nueva Canción Asturiana». A pesar de que su legado musical se remite a una breve trayectoria artística de apenas ocho años, truncada por una trágica muerte sobre los escenarios, se considera fundamental su participación en varias grabaciones que supusieron un destacado paso adelante para la consolidación de la industria discográfica asturiana, así como la puesta en marcha de iniciativas de carácter experimental como lo fue el grupo La TurullaAñade este contenido».

El Libro-CD de 48 páginas, segunda entrega de la colección que lleva el nombre de otro carismático músico desaparecido, René de Coupaud; cuenta con textos de Eduardo G. Salueña, que documentan la figura del músico gijonés. La edición viene acompañada de un CD de audio con grabaciones en las que participa Berto, en su mayoría inéditas, y de un DVD que incluye el documental «Berto Turulla, (1957-1983)», dirigido por Roberto Martínez Berciano, y una selección de piezas audiovisuales procedentes del Archivo RTVE Asturias, entre otros contenidos.

 

Más información: https://www.gijon.es/es/publicaciones/berto-turulla-una-mirada-moderna-la-musica-popular-de-asturias.

“MOSCOSO COSMOS. O UNIVERSO VISUAL DE VICTOR MOSCOSO” (FUNDACIÓN LUIS SEOANE, 2021)

 

 

 

En la Fundación Luis Seoane de A Coruña podemos visitar la imprescindible exposición «Moscoso Cosmos. O universo visual de Victor Moscoso». Una exposición que permanecerá hasta el 10 de octubre de 2021 que nos sumerge en el fascinante mundo de Victor Moscoso (Vilaboa, A Coruña, 28 de julio de 1936). Un diseñador único que destacó dentro del cómic underground americano (participando en publicaciones como Yellow Dog, Jiz Comics, Snatch Comics, El Perfecto Comics y Zap Comix)  y como diseñador de carteles rock con una clara vertiente psicodélica. También realiza portadas de discos para artistas como Jerry García, Steve Miller Band, Junior Wells o Colours.

Muchos de sus diseños consiguen llevarnos a otros estados de conciencia. Formas, signos y colores alcanzan una nueva dimensión, al igual que las palabras, difíciles de descodificar en muchas ocasiones.

Su vida fue realmente intensa. Vive en Oleiros, hasta que en 1940, con apenas tres años, viaja con su familia a Estados Unidos, estableciéndose en Nueva York, formándose en Bellas Artes en la Cooper Union y en la Universidad de Yale, donde tiene como profesor a Joseph Albers. En 1959 se muda a San Francisco, graduándose en el Instituto de Arte de San Francisco (SFAI). Es a mediados de los años 60, y especialmente en el «verano del amor» de 1967, cuando su arte alcanza su máximo esplendor y su figura alcanza un importante reconocimiento.

Partiendo del underground, y manteniendo a lo largo de toda su vida esa militancia y su compromiso con la contracultura, Moscoso ha logrado tener obra expuesta en el Louvre, el Victoria & Albert Museum o en el MoMA, entre otras instituciones de prestigio mundial. Un autor de culto que ahora tenemos la suerte de convertir en profeta en su tierra de nacimiento.

 

Víctor Moscoso, hijo y superviviente de la contracultura con apellido gallego

 

En Coruña se rinde homenaje al artista en esta exposición comisariada por David Carballal. La muestra reúne los carteles de rock  realizados durante los años 1966 y 1967 y 14 números de la revista Zap Comix, editada a lo largo de 40 años con artistas como Robert Crumb o Rick Griffin. Nos encontramos con una importante selección de carteles, cubiertas de discos, cómics, ilustraciones para libros y revistas, animaciones y fotografías biográficas.

 

Complementando la exposición se edita un espectacular catálogo que recoge a todo color y en gran formato la producción gráfica de Moscoso. Un artista realmente brillante del que podemos conocer la verdadera dimensión de su trabajo en un catálogo que desde ya se convierte en un imprescindible para cualquier amante tanto de la música como del diseño.

 

Tras su paso por la Fundación Luis Seoane, «Moscoso Cosmos: O Universo de Victor Moscoso» itinerará al MUSAC de León y al Centro Niemeyer de Avilés.

 

«JAVIER KRAHE. NI FEO, NI CATÓLICO, NI SENTIMENTAL»
Federico de Haro
(Reservoir Books, 2021)

Cuenta el escritor Julio Llamazares en el prólogo que Javier Krahe era ese juglar anarquista, aunque como se advierte en el texto, en realidad no ejercía ninguna línea política específica salvo cuando dormía. Pero no por ello se libró del veto que le impuso el gobierno socialista de Felipe González a consecuencia de aquel «Cuervo ingenuo» que le dedicara. De igual manera, se podría argumentar que fue letrista antes que músico, escritor de canciones antes que cantante, porque con lo que realmente disfrutaba era jugando con las palabras. Fue un verdadero artista de encajarlas ajustándolas a las reglas de la métrica que imponían sonetos, estrofas y demás moldes lingüísticos sin que por ello la letra final perdiera retranca o ironía alguna.

De hecho, su primera aproximación al que se terminaría convirtiendo su mundo, su vida, fue aportando letras de canciones que mandaba desde Canadá, a donde se fue con su esposa Annick,  a su hermano menor Jorge. Empujado casi por las circunstancias y por la invitación de Chicho Sánchez Ferlosio y Teresa Cano a que se uniera a ellos en unas actuaciones que daban en la sala La Aurora de Madrid, no es realmente hasta una etapa ya algo tardía que sube a los escenarios. Aunque empuñara por un tiempo la guitarra, dicen que no llegó nunca a ser un virtuoso precisamente del instrumento y, por ello, no tardaría en deshacerse de ella cuando, ya arropado por músicos, pudo dedicarse por entero a interpretar los temas frente al micro.

De todo ello, por supuesto, habla esta biografía del artista escrita por Federico de Haro, que desarrolla con detalle desde su infancia cubriendo las diferentes etapas (trabajos previos, servicio militar, la mencionada estancia en Canadá..) hasta empezar su carrera musical. Una vez iniciada ésta son muchos los apartados, no estrictamente artísticos, que quedan igualmente contemplados, como las vacaciones en Zahara de los Atunes mucho antes de que la localidad gaditana sufriera la explosión turística de la actualidad o las tertulias de ajedrez que le gustaba disfrutar una vez por semana con amigos. Para documentar todas estas diferentes facetas, el autor se ha rodeado de la aportación de un nutrido número de amigos, familiares y allegados, que le han provisto de numerosas anécdotas que han quedado desarrolladas con estilo ágil y cuidado, en un intento quizás de estar a la altura del uso exquisito que del lenguaje hacía precisamente el protagonista de la crónica.

En el capítulo musical no ha querido dejar pasar ninguno de los discos que editó Krahe sin un análisis de las canciones (principalmente las letras) que contenían estos. El hilo estrictamente biográfico se interrumpe casi exclusivamente en los intentos concienzudos por demostrar el paralelismo con el artista francés George Brassens, de cuyas canciones el madrileño fue un gran conocedor y la enumeración de animales que aparecen nombrados en sus letras.

Un libro ameno y entretenido, que arranca más de una sonrisa y que ofrece atractivos extras como la impecable edición y la presentación de las letras de alguna canciones inéditas del artista.

 

 

“BALMORAL. LOQUILLO, POR UN INSTANTE, LA ETERNIDAD” (EFE EME, 2020)

JAVIER ESCORZO

 

 

Efe Eme continúan haciendo un trabajo estupendo, publicando cada vez más libros sobre las grandes figuras y los grandes discos de la música nacional. En esta ocasión, Javier Escorzo se acerca a uno de los grandes discos de Loquillo, «Balmoral» (DRO, 2008).

Se trata de uno de los discos capitales de Loquillo. Un disco que en cierto modo supone la culminación de de una de sus etapas más creativas. Un homenaje a uno de sus locales favoritos de Madrid, que cerraba sus puertas. Para su grabación echa mano de sus compositores habituales, los que mejor han sabido entenderle a lo largo de su carrera: Igor Paskual, Gabriel Sopeña, Jaime Stinus, Carlos Segarra,  y la colaboración, tras veinte años, de Sabino Méndez, que aporta dos canciones.  En las letras, colaboran grandes nombres, como el poeta Luis Alberto de Cuenca, o el letrista salmantino Juan Mari Montes.

Loquillo on Twitter: "Ya tengo “Balmoral. Loquillo, por un instante, la eternidad” escrito por Javier Escorzo... ¿Y tú? Consíguelo en la tienda online de @revista_efeeme… https://t.co/EcujUFHNJ2"

 

«Balmoral» supone el logro de hermanar el rock con la poesía, el jazz, la canción francesa y muchas otras influencias. Javier Escorzo repasa la travesía que recorrió Loquillo para alcanzar su gran obra, un camino de aprendizaje y defensa de su libertad artística que volvió a situarlo en las puertas del inmenso éxito del que disfruta en la actualidad.

Para narrarlo, Javier cuenta con los testimonios directos del propio Loquillo, así como de quienes jugaron un papel destacado en la creación de Balmoral: Gabriel Sopeña, Igor PaskualAñade este contenido, Jaime Stinus, Sabino Méndez, Jaime Urrutia, Luis Alberto de Cuenca, Juan Mari Montes, Andrés Calamaro, Carlos Segarra, Laurent Castagnet, Laura Gómez Palma, Thomas Canet y David Bonilla.

“LA TIERRA DE LAS MIL DANZAS” (EFE EME, 2020)

LUIS LAPUENTE

 

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Luis Lapuente (Madrid, 1957) es una de las personas que más sabe de soul en nuestro país. La escuela comienza ya en la infancia, escuchando la radio hasta quedarse dormido, fascinado con artistas como los Temptations, Otis Redding o James Brown. Luego llegaron las compras de los primeros discos, de aquellas antologías que ya tiene gastadas de tanto reproducirlas como los «Hits & Soul» editados por Atlantic. Y finalmente los singles y discos originales. El soul lo gana para su causa y ya nunca lo abandonó.

Luis ya nos había entregado libros altamente recomendables como «El Muelle de la Bahía. Una Historia del Soul» (Efe Eme, 2015), un trabajo realmente enciclopédico en el que hace un intenso recorrido por la historia de la música negra. En una entrevista en la web de Efe Eme explicaba, «Es un libro escrito con la ambición de explicar la historia del soul de manera comprensible para quien no sepa nada de esa música, en el que he pretendido contar a grandes rasgos los grandes hilos conductores del género, sus coordenadas estilísticas, su historia y su geografía«.

Ahora vuelve a la carga con este «La Tierra de las Mil Danzas. Los Grandes del Soul» (Efe Eme, 2020). Un trabajo que «se acerca a la historia del soul desde el prisma de la vida y el legado de 101 artistas absolutamente imprescindibles de todos los tiempos. Organizado a modo de diccionario cronológico, combina los relatos biográficos con las valoraciones críticas y las recomendaciones discográficas, y subraya, complementa y enriquece la visión panorámica del soul que Luis Lapuente inició en el imprescindible y reveladorEl Muelle de la Bahía. Una Historia del Soul'».

De lectura amena y altamente divulgativa, en todo momento dan ganas de buscar canciones, discos y artistas en un reproductor cercano, Luis «enfatiza la importancia de los artistas y sus creaciones, abriendo el abanico estilístico desde los clásicos indiscutibles (Otis Redding, James Brown, Sam Cooke, Etta James, Marvin Gaye, Nina Simone, The Temptations, Stevie Wonder o Aretha Franklin) a aquellos pioneros que anticiparon la explosión del soul y luego se instalaron en él durante años (Fats Domino, Johnny Otis, Junior Parker, Ike & Tina Turner, entre otros), hasta llegar a quienes vienen recogiendo el testigo de los grandes de la música popular negra en el siglo XXI y hoy son sus mejores embajadores: D’Angelo, Erikah Badu, Raphael Saadiq o Michael Kiwanuka«.

No se me ocurre un libro mejor para iniciarse y profundizar en las cálidas aguas del soul.

 

 

“GUÍA DEL MADRID DE LA MOVIDA” (ANAYA TOURING, 2020).

JESÚS ORDOVÁS Y PATRICIA GODES

 

 

Jesús Ordovás y Patricia Godes han elaborado una estupenda guía ilustrada sobre el Madrid de la Movida. Un minucioso recorrido por todos aquellos lugares que marcaron una de las etapas musicales más importantes de nuestro país. Ya sean bares, sus bares, sus salas de conciertos, emisoras de radio, tiendas de discos, discográficas o galerías de arte.

Hasta ahora, las personas y los personajes fueron protagonistas de este tipo de libros. En esta ocasión son los lugares los protagonistas. Porque tan importantes fueron Alaska, Nacha Pop, Radio Futura o Parálisis Permanente como el Rock-Ola, el Penta, la Vía Láctea o la Prospe.

 

 

La guía ofrece un recorrido por todos los barrios de la capital, desde los más célebres como Malasaña, Lavapiés a otros igual de importantes como Prosperidad, La Elipa, Carabanchel o Vallecas. Los barrios, sus locales y sus protagonistas llenan las páginas de este interesante trabajo. En cada capítulo se entrevista a un protagonista que nos descubre los secretos de ese barrio, contando anécdotas y curiosidades. Además se incluyen dos rutas especiales: La ruta de Almodóvar y La ruta de Alaska. Todo ello se completa con fotografías, muchas de ellas inéditas, y planos de las distintas zonas.

Un recorrido visual, colorido y muy completo que nos permite conocer y revisitar el Madrid de la Movida. Un libro que al mismo tiempo, es la excusa perfecta para visitar los distintos barrios de la ciudad con la guía en una mano y una cámara en la otra.

“CONVERSACIONES CON XOEL LÓPEZ” (EFE EME, 2020).

MANOLO TARANCÓN

 

Manolo Tarancón · "Conversaciones con Xoel López"

 

Xoel López lleva toda su vida componiendo y editando discos y hoy es uno de los músicos más reconocidos de la escena nacional. En este volumen de conversaciones, Xoel responde a las preguntas de Manolo Tarancón para repasar su vida, su trayectoria musical y sus inquietudes vitales.

Xoel comienza desde muy joven en el mundo de la música, en distintos grupos amateurs de A Coruña, como The Riddles o Los Nuestros. No sería hasta con Los Covers que grabaría un primer EP, en los laureados estudios de Paco Loco en Gijón, tras el cual incluso realizarían una gira por todo el territorio español. El grupo se disuelve, y Xoel, rondando los dieciocho años, se embarca en una nueva formación: Elephant Band. Es en este grupo donde comienza su faceta como compositor. La banda toca en numerosos festivales e incluso llega a actuar en el extranjero. Es entonces que Xoel comienza a compaginar su tiempo con un proyecto junto a Félix AriasAñade este contenido, formando el dúo Lovely Luna, en donde explora otros ritmos algo más alejados del sonido de la Elephant Band.

Los siguientes pasos de su carrera ya son conocidos por todos, alcanza el éxito superventas con Deluxe y en la resaca de ese éxito comienza su andadura en solitario. El detonante de ello es un viaje al otro lado del Atlántico que le cambia la vida por completo. En enero de 2009 Xoel cruza el charco y se dedica a tocar por pequeñas salas, teatros y festivales, acompañado de su guitarra y de músicos de los diferentes países que visita. Se trata de un proyecto libre y honesto, sin grandes planificaciones. De esta forma Xoel se acerca a San Francisco y Nueva York, Colombia, Uruguay, Chile, Venezuela, Brasil, etc. estableciendo el centro de operaciones en Buenos Aires. En Brasil ofrece su concierto más multitudinario, tocando ante más de un millón de personas la noche de Fin de Año en la playa de Fortaleza, dentro de un homenaje a Legião Urbana.

En octubre del año siguiente vuelve a España y ofrece una intensa gira acompañado de músicos de diferentes nacionalidades, la aventura es bautizada como «Xoel López y La Caravana Americana». Luego llegaría «Atlántico» (Esmerarte, 2012), el disco que lo cambia todo.

Todos estos episodios quedan reflejados en un libro en el que Xoel habla del presente, pasado y futuro; además de aportar muchas anécdotas, curiosidades e inquietudes. Un acercamiento certero tanto al artista como a la persona que hay detrás.

 

 

“DESEO CARNAL. ALASKA Y DINARAMA, MIL CAMPANAS” (EFE EME, 2020).

MARCOS GENDRE

 

 

Deseo carnal. Alaska y Dinarama, mil campanas, de Marcos Gendre

 

Marcos Gendre (A Coruña, 1978) aborda la gestación de uno de los grandes discos de los 80. «Deseo Carnal» (Hispavox, 1984) de Alaska y Dinarama es una colección de hits en la que Carlos Berlanga y Nacho Canut dan lo mejor de sí. Como bien indicaba Raúl Alonso en la reseña del disco en esta casa, «virando ya del todo hacia excitantes ritmos tecno-pop (con tecno en minúsculas y pop en mayúsculas) como hilo conductor de esas historias absorbidas cual esponja de la realidad, y sin dar de lado a lo místico, lo paranormal e incluso, por qué no, a lo oscuro, “Deseo Carnal” (Hispavox, 1984) se erige con justicia como la gran obra de Dinarama. Un trabajo preciosista, con unos arreglos -cuerdas a cargo de Tom Parker, percusiones a cargo de Timaná– milimétricamente confeccionados para que nada sobre ni falte en él, algo de lo que Nick Patrick es en buena parte culpable. El disco es una sucesión de hits constantes (en el buen sentido de la palabra), como si de un grandes éxitos de Dinarama se tratara«.

 

Se trata de una obra realmente importante, que alcanzó importantes distinciones, así,por ejemplo, fue elegido en el puesto 5 en la lista de los 100 mejores discos españoles del siglo XX en el especial del 20 aniversario de Rockdelux. Muchas de las canciones que contiene «Deseo Carnal» son clásicos imperecederos del pop español.

Es importante que se analicen y se pongan en valor los grandes discos de nuestra música, porque es una manera de dignificar, visibilizar y poner en valor trabajos que de una manera o de otra han marcado el devenir del pop el castellano. Por eso es importante este libro de Gendre. Un libro que nos permite conocer a modo casi documental como se fue gestando y desarrollando el disco en boca de sus protagonistas. Una historia casi oral y muy coral que nos pone en situación sobre los antecedentes de la obra, el porqué de su sonido y sus influencias, el trasfondo de las canciones y la forma de funcionar de ese binomio compositivo Berlanga / Canut. Además Marcos amplía el espectro, dando voz a músicos actuales que se han sentido marcados e influenciados por este disco. Hablamos de personajes como Charlie Mysterio (Los Caramelos, Os Peregrinos) o Guille MilkywayAñade este contenido (La Casa Azul).

 

Un libro ameno e interesante que se devora con hambre y que consigue que cojamos de nuevo el vinilo de la estantería para volver a escuchar estos clásicos desde nuevas perspectivas. Y eso, es lo que le pedimos a un libro de música. Gran trabajo.

“MAGÍN BLANCO. O CAMIÑO DA LUZ” (EDICIÓNS EMBORA, 2019).

CARLOS REGO

 

978841782415

 

«Me daría por satisfecho con poder seguir grabando otro y otro y otro disco, y así hasta que se me seque la boca»

 

Magín Blanco (A Rúa, 1960) es uno de los más grandes talentos de la música gallega. Todos los proyectos en los que se ha involucrado gozan de un nivel de brillantez realmente alto.  Es capaz de dotar a todas sus composiciones de una carga poética y emocional realmente fuerte.

Hoy alcanza un importante reconocimiento con sus trabajos dirigidos para el público infantil y juvenil, aunque los disfrutamos todos, pero su faceta rock y de autor es en gran medida desconocida por el público. Carlos Rego se marca como uno de los principales objetivos de este libro rescatar y visibilizar ese Magín. Y es que tenemos que remontarnos hasta el año 79, año en el que pone en marcha su primer proyecto en Santiago de Compostela. Se trata de Purita, grupo con Nancho Novo, con el que recorrían los bares de Compostela influenciados por el disco «Fiebre de Vivir» (Chapa, 1978) de Moris.

Después llegó Alcatre, ya en A Rúa (Ourense), mezclando la caja de ritmos del órgano con la batería real; aunque VoyeurAñade este contenido, un trío con  Juan Bellet (baixo) y Joel Bayolo (batería), es su primera aventura realmente relevante. Una lástima que no llegasen a editar nada, más allá de alguna maqueta interesante, pues su acercamiento a la new wave era muy interesante. Uno de los grandes aciertos del libro es incluir un CD con material de las distintas etapas de Magín, lo que nos permite escuchar el tema «París-Texas» procedente de una maqueta grabada por Pablo Barreiro en su local de ensayo en A Rúa.

Magín decide acercarse al pop y al intimismo con un nuevo proyecto: La Rosa. Uno de las grandes joyas ocultas del panorama gallego y nacional. Al igual que otras formaciones como Cosecha Roja o Burgas Beat, una formación a reivindicar.

La Rosa se acercan al nuevo rock americano, dándole un importante protagonismo al intimismo y a las letras de Magín. Pasajes presididos por cielos oscuros, brisas otoñales, la humedad del invierno y una soledad cargada de nostalgia. El grupo no alcanza el reconocimiento que merece, y baja el telón en el 94 tras cuatro larga duración.

 

 

Tras entregar un buen puñado de grandes temas con La Rosa, Magín Blanco desapareció de la escena unos cuantos años, pero continuó escribiendo canciones. Iniciando una carrera en solitario con la maqueta  “Estar Maqueta” (1999) y posteriormente con el recomendable «Ella…» (PAI, 2006).

Con la última etapa, la dedicada al público infantil y juvenil, Magín alcanza el reconocimiento y el cariño del público. Como indica Xavier Valiño en el prólogo, esperemos que su boca nunca se seque.

Un libro ameno que repasa de manera minuciosa todas estas etapas creativas de Magín Blanco y que consigue dar luz a una figura a reivindicar por todos. Los contactos con Vainica Doble, el accidente en la carpintería que le hace perder varios dedos de la mano izquierda, las crisis existenciales… todo queda recogido aquí con precisión.